与《库斯特》或《三体》相比，《平原上的摩西》显得不温不火，豆瓣评分不足4万，观众的评价处于两个极端。 高分大部分是因为该剧拍摄质量极高，而低分则主要是因为没有达到观众对“悬念”的期待。

我预计它会更“悬疑”，因为爱奇艺迷雾剧场推出的电视剧《平原上的摩西》定于1月16日播出，同时该剧入围柏林国际电影节宣布单元的消息显示，观众对其的期待甚至超过了雾剧场的热播《隐秘的角落》。

当舆论引发的热情逐渐消退后，真正安定下来的是那些有耐心观看该剧、认真品味其无穷后劲的观众。 他们发现，《平原上的摩西》并不是一般意义上的“悬疑片”。 ”，甚至可以说，雾剧场本身并不想将自己局限于“犯罪悬疑剧场”的定位。在这部剧的背后，隐藏着雾剧场更大的野心——那就是将戏剧本身设定为犯罪剧，迷雾。

01/邀请观众解谜

第一眼被这部剧吸引的观众，一定是被它的电影品质所打动。 该剧始于1980年，主要叙事年份分别集中在1996年和2000年。 影片中的布景、道具、服装、音乐等元素都极其严格地还原了当时的当地场景。 该剧不遗余力地营造时代氛围，向观众传达的信息是，这是一部“极度还原”的剧集，还原了那个时代、那个故事、那些人。

这部剧的第一幕就让观众有一种沉浸在气氛中的感觉。 旧巴士失焦，主角在画面外。 人们匆匆下车。 只有一个拿着足球、留着半长发的年轻人向镜头外的主角投来了异样的目光。 这说明这个人物一定和街上的其他人完全不同。 该剧一开始就向观众传达了一个明确的信息，那就是它想要表达的内涵是要让观众在里面去发现的。

每当电影使用长镜头时，一些导演就会被无理地批评为“炫技”。 就连《1917》、《鸟人》这样的经典，也没有逃过炫技的嫌疑。 此次，张大雷导演大量运用了固定长镜头，也被不少观众评价为“毫无意义的特技”。 确实，长镜头考验导演的调度能力。 张大雷做到了这一点。 细心的观众可以发现，他这次做得更多。

在剧集开头男女主角相亲的场景中，长镜头展现了三个角色在同一空间中不断的运动。 更重要的是，当主角离开画面甚至失焦时，观众的眼睛和思想开始“搜索”，不断捕捉主角的行动轨迹。 这个让观众被动寻找的过程，与这部剧需要观众不断“解谜”的原因不谋而合。

同样“分散”观众注意力的还有制作极其精良的声音。 这部剧在声音上的投入比很多电影还要多。 房间里传来小贩声和刹车声，凶案现场也传来人群的议论声。 这些主场景之外的声音不仅成功地营造了气氛感，而且在黑暗中传达了主要情节并展示了人物的性格。

一个典型的例子就是海清饰演的付东鑫一家人吃饭的场景。 付东鑫的父亲责备她扭伤了儿子小庄的脚。 从照片前景丈夫庄德增的解说中可以得知，付东欣是在骑自行车时被​​勒死的。 伤害我儿子。 与此同时，照片背景中的付东欣向姐姐解释说，她没有注意到儿子被吊死。 这一幕蕴含着多层含义，其中的核心含义是通过声音来表达的，让观众了解到付东鑫的性格是内复杂外沉闷的。 她并不像普通母亲那样关心自己的儿子。 这一点在艾敬饰演的姐姐与付东鑫的另一场对话戏中也得到了印证。

这部剧在镜头运用、音响搭建、场景布置等方面都考虑得极其周到，每一个场景都经过精心的设计和安排，每一个元素的存在都不是没有目的的。 这种品质只有看完剧才能看出来。 这只有在剧集审核时才能实现，这恐怕也是剧集收视两极分化的重要原因。

熟悉张大雷导演的观众一定会提到他的代表作《八月》，该片也记录了20世纪90年代国企转型背景下西部小镇小人物的命运。 这部电影给人印象最深刻的就是它的时代感。 的塑造。 如果说《平原上的摩西》是张大雷在熟悉领域的表演，那么这次表演则毫不犹豫地流露出双雪涛写作的凶猛，是对原著所营造的凶猛气质的又一次升华。

说起凶猛的气质，就不得不提制片人刁亦男。 以《白昼烟火》成名的刁亦男，也是电影版《平原上的摩西》《平原上的火》的制片人。 电影版于2020年拍摄，上映前几天因不明原因被下架。 电影尚未上映，无法评价，而从电影到电视剧，刁亦男对原著的打磨显然会变得更加精致。

当时，《白日焰火》启发了一批以东北老工业基地荒凉感为题材的犯罪电影或电视剧。 这次，张大雷没有重复刁亦男熟悉的东北风，而是将故事带入了他自己更熟悉的风格。 呼和浩特。 也是一种具有地域特色的乡愁。 两人合作的这部作品，在制作人爱奇艺灿然工作室的支持下，在表现手法上实现了多元化的进步，成为很多观众眼中国产剧的突破性作品。 同时，《平原上的摩西》的表情又极其隐忍。 正是这种隐忍，营造了一种嵌入式的观剧氛围，隐藏了剧集想要讲述的故事，让观众更愿意踏入其中解开谜题。 。

02/每个人都是孤独的

双雪涛的原著在创作形式上受到了福克纳《我弥留之际》的影响，采用了多种第一人称视角。 这种叙事手法追求通过不同的视角来减少和碎片化信息以吸引人们的注意力。 真实的故事由读者来拼凑。 这种叙事手法在阅读体验中造成了一种碎片感，而在这种碎片感下塑造的人物往往给人一种极其孤独的印象。

剧版《平原上的摩西》紧紧抓住了原著所营造的孤独体验。 每个角色都是以一种非常内在的方式创建的。 人物对话较少，很少谈论自己的感受，言语也有限。 都是为了表现人物特征或者解释剧情。 而正是这种开头就结束甚至戛然而止的呈现方式，往往会给观众一种想要一探究竟却又不满足的感觉。 这也是很多差评说剧情不清楚的原因。

这种吊足观众胃口却又不能满足观众的表达方式可能会让观众感到厌烦。 或许也更符合导演的目标：不是立竿见影的快餐，而是剂量。 一种强效药物，具有很强的副作用。

这一点从几个主要人物的塑造上就可以看出端倪。

宝石叔饰演的老庄，原著中有很大篇幅描述了他在文革时期“红色少将”的心态。 说明他是一个不够成熟但敢于行动的人。 该剧只有一句台词讲述了这个动荡的时期。 在满足审查要求的同时，剧情设置和老叔叔的表演成功地展现了这个角色在时代变迁中的成长和变化，从公园划船时的紧张到舞厅里自言自语的孤独。 ，然后是签署离婚协议时的困惑。 有人说这个角色的存在太平淡了，对整个事件没有任何影响。 相反，正是这个角色的平凡甚至世俗性，凸显了与妻子付东信的格格不入，成为塑造付东信这一人物形象的最佳陪衬。

付东鑫这个角色对于整部剧起到了定调的作用。 该系列中的所有图像都来自这个角色。 原著中暗示付东信信仰基督教，摩西分开红海带领以色列人到达应许之地的故事就是付东信的自我救赎。 也许正是这种对救赎的渴望支撑着她在瞬息万变的社会中生存下来。 这样的人物在当时的社会上是无法被理解和接受的。 这个角色对于海清来说是一个挑战。 他不能大喜，但也不能濒临死亡。 儿子遇到麻烦时的颤抖，与妹妹深聊时的感动，与徒弟小飞相处时的平静。 在这些看似平静的外表下，让观众隐约察觉到这个角色内心的动荡，而海清的表演也与角色相符。

在董子健塑造的孝庄身上，我们可以看到导演和演员反复打磨的诚意。 小庄成为一名警察是他人生的转折点，也是塑造他价值观的关键。 这个角色的父母之间的性格反差巨大，这让他的内心挣扎非常复杂。 小时候长得像爸爸，长大了又像妈妈。 表面上他像他的父亲，但内心却像母亲。 他的成长之路是逐渐了解母亲的精神世界、与儿时玩伴小飞越来越亲近的过程。 这个过程也是他一次又一次接近犯罪真相的渐进过程。 每当他有了新的发现，他的内心就无比震惊，而外表却与他的母亲一模一样。 董子健的表达很成功。

该系列在其他几个角色的塑造上也没有让人失望。 然而，当谈到人物之间的关系时，该剧往往处理得非常隐晦。 在付冬馨和姐姐在街上买大葱的场景中，付冬馨说起自己的悲伤时，背过身去哭了。 背景照相馆的窗户，恰好是肖飞不愿意拍的婚纱照。 两个在精神世界中距离很近的人，最终却在不同的时空里擦肩而过。 这种晦涩难懂的处理方式的缺陷也很明显。 比如萧飞的性格特征表现得不够清晰，还有江不凡的谋杀案。 如果能提前多铺垫，或许比现在的唐突要好。

03/寂静的水，不安的火

除了剧情和呈现手法之外，不得不提的是这部剧的意象。 原作《平原上的摩西》本身就蕴含着作者想要表达的形象。 所谓平原，可能是指大家所生活的伟大时代，而摩西是这个时代中一个独特而清醒的人。

双雪涛的原著故事发生在沉阳市铁西区燕芬街。 《烟粉街》的故事不仅讲述艾敬歌谣中短命的父母，也讲述时代巨变中不可忽视的小偷、酒鬼、赌徒、罪犯。 还有更多普通居民的故事。

经历过那个时代的人，或许心里仍然有深深的印记。 他们的生活表面平静，但内心却焦躁不安。 虽然剧集的场景是在呼和浩特，但当艾敬第一次登上舞台时，大家心中的粉色街道就会再次活跃起来。

正如该剧宣传海报所言：永不忘记彼此。 电视剧《平原上的摩西》聚焦于原著中孤独的人本身。 它所表达的情感就像是很多年后走出燕芬街的那些人，突然发现自己已经走出了那个地方，而自己的一些部分却被留在了这样一条街上，人们互相维系着。只因一个信念：永不忘记彼此。

剧版《平原上的摩西》在表达这些形象和情感时，很大程度上依赖于水与火看似不相容的元素。

戏剧在湖上开始和结束。 这是摩西想要隔开的水，也是时代洪流中无依无靠的人之间不可逾越的距离。 老庄和付东信，小庄和小飞，两对来自不同时代、如此相似的人，在几乎相同的场景中相遇、重逢，却最终没有在一起。 这个结局是张大雷对原著的突破性表达，是现实世界的反映。 悲观的反应。 双雪涛的原著给出了一种开放式的表达，但是进入这部原著原著气质的人应该不会看好小庄小飞的结局。 这就是时代赋予人物的命运：永远前进，却永远无奈。

至于火的形象，电影版《平原之火》的片名表达了更明显的暗示，那就是人类的命运。 剧版《平原上的摩西》在每个场景的结尾都使用了不同的火焰场景。 就连小庄和小菲的命运也因为一场未能兑现承诺的烟花而分开。

这个比喻让人非常悲伤。 生命就像火焰，要么燃烧，要么熄灭。 每个人的命运，要么在对的时间燃烧，要么像约定的烟花，永远错过。